Les curatrices des expositions du Cercle

Armelle Dakouo, directrice artistique et commissaire d'exposition indépendante travaille principalement en lien avec les scènes artistiques contemporaines du continent africain et afro-diasporique. Elle a produit des expositions itinérantes en Afrique de l’Ouest et collabore aujourd'hui avec des galeries d’art contemporain et des institutions privées. Elle a été co-commissaire de la  Congo Biennale en 2022 à Kinshasa et directrice artistique de la foire Also Known As Africa à Paris de 2017 à 2024.

Pauline Lisowski est artiste jardinière, critique d’art et commissaire d’exposition indépendante, membre de l’AICA et de C-E-A. Elle est diplômée de l’école d’art de Nancy (DNAP), a étudié deux années à l’école du paysage de Blois et est titulaire d’un MASTER 1 en esthétique et d’un MASTER 2 en projets culturels dans l’espace public à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne.

Ses expositions, composées comme des jardins, interrogent la question du vivant végétal et les relations des artistes aux paysages. Celles-ci prennent place aussi bien avec des galeries, des centres d’art (CAC La Traverse, Alfortville, CACLB en Belgique), des structures associatives (Plateforme, Paris, ainsi que dans d’autres lieux où elle fait dialoguer art et nature (Muséum-Aquarium de Nancy, jardin botanique de Nancy). Elle tisse des relations entre les disciplines notamment via l'association Artborescences dont elle fait partie. 

Jeanne Barral a conçu l'exposition "Être relation" comme "la rencontre entre 5 femmes, 5 artistes, 5 identités qui se questionnent et nous questionnent". Commissaire d'exposition reconnue, elle a organisé des expositions monographiques pour des artistes majeurs comme Ann Veronica Janssens, Huang Yong Ping ou Bertrand Lavier à la galerie Mennour, et co-curaté la rétrospective "Missing" de Sophie Calle à San Francisco en 2017.

Son approche curatoriale, nourrie par son expérience à la Fondation Cartier où elle a organisé des expositions majeures comme "La Vallée" de Fabrice Hyber, révèle comment Nour Awada, Valérie Burnand Grimaldi, Margaux Derhy, Marta Nijhuis et Célia Rakotondrainy partagent "une quête d'identité et de la façon de la matérialiser". Jeanne Barral, également autrice du livre "Actéonne - Naissance d'une statue" (2022) qui explore la relation entre art et expérience personnelle, identifie avec finesse les liens invisibles qui unissent ces pratiques singulières.

À travers "Être relation", elle interroge avec acuité : "Quand on a des origines multiples, quand on se sent déraciné, comment crée-t-on et que crée-t-on ?" Sa réponse curatoriale révèle que ces artistes créent "des images, certes, mais aussi et surtout des relations : aux autres, à sa culture ancestrale, à des paysages fantasmés, des ascendances rêvées".

Jeanne Barral transforme ainsi cette exposition en territoire de réflexion sur "l'identité et l'altérité dans un monde de métissages", offrant un espace où chaque œuvre devient acte de réconciliation avec ses propres racines multiples.

Eugénie Bélier a conçu l'exposition "Hylé" comme une exploration philosophique de la matière en perpétuelle transformation. Diplômée de l'ENS en philosophie contemporaine et de l'EHESS en esthétique, elle puise dans la pensée grecque antique pour révéler comment cinq artistes partagent "une même fascination : la métamorphose de la matière".

Son approche curatoriale, nourrie par sa formation philosophique et son expérience dans l'audiovisuel, dévoile la "dynamique profonde et invisible" qui anime les œuvres de Claire Fréchet, Chloé Levesque, Alaïs Raslain, Mathilde Brunelet et Margaux Desombre. Eugénie Bélier orchestre un dialogue où chaque pratique artistique révèle un aspect de cette hylé vivante et changeante.

À travers son texte curatorial empreint de poésie et de rigueur conceptuelle, elle accompagne le visiteur dans la découverte de ces "fragments du monde en mutation". Son regard, formé aux recherches philosophiques qu'elle développe actuellement en podcast, transforme l'exposition en méditation sur "l'impermanence et le changement constant qui régit le monde".

Eugénie Bélier révèle ainsi "ce moment de grâce quand la matière prend forme de manière inexplicable et sublime", invitant à une contemplation de "cette fulgurance inintelligible qui bouleverse le regard", comme l'évoque la maxime d'Héraclite qui clôt sa réflexion : "On ne se baigne jamais deux fois dans le même fleuve."

Caroline Boudehen a conçu l'exposition "Votre monde pendant un instant" comme une exploration de la beauté saisie dans l'instant - "ce que Jankélévitch appelait le primultime". Journaliste, auteure et art advisor, elle a développé son expertise de l'art contemporain à travers un parcours international, notamment à Shanghai où elle a dirigé Art+Shanghai Gallery et collaboré avec de prestigieuses publications.

Son approche curatoriale révèle comment Charlotte Barrault, Dalila Belkacemi, Julia A. Etedi, Magalie Pouillard et Andrea Weber "saisissent l'instant, le traversent, l'explorent comme un territoire". Caroline Boudehen déploie une vision sensuelle de l'art où chaque œuvre devient "loupe, révélant des fragments du monde, en dialogue entre intime et universel".

Forte de sa capacité à décrypter les enjeux contemporains à travers l'art - illustrée par son livre "Le Boom de l'art contemporain en Chine" (Éditions de l'Aube, 2022) - elle accompagne le visiteur dans la découverte de ces "cartographies" artistiques où "nature, mémoire, sensation" se conjuguent. Son texte curatorial poétique révèle cette "sensualité qui imprègne le geste, la matière, le regard", créant un "espace intérieur tourné vers l'extérieur" où chaque fragment artistique devient un monde à contempler, comme l'évoque la citation de Georgia O'Keeffe qui inspire le titre de l'exposition.

Inès Frachon a conçu l'exposition "Territoires sensibles" comme une méditation sur notre relation à la Terre, invitant à "entrer en résonance avec elle, épouser ses reliefs, ressentir ses pulsations et écouter son souffle profond". Forte de plus de dix ans d'expérience dans le marché de l'art, anciennement responsable de galerie à Paris et aujourd'hui basée à Marseille, elle développe une pratique curatoriale sensible aux enjeux contemporains.

Son approche révèle comment Carla Talopp, Emmanuelle Blanc, Karima Duchamp, Marion Vallerin et Victoria Tanto créent "une cartographie intime qui interroge la relation profonde entre l'humain et son environnement". Inès Frachon orchestre un dialogue où chaque pratique artistique - de la peinture intuitive aux céramiques stratifiées, de la photographie tellurique aux tissages méditatifs - devient acte de résistance à "l'accélération contemporaine".

À travers son texte curatorial empreint de poésie et d'urgence écologique, elle accompagne la découverte de ces "territoires où l'homme ne domine plus mais coexiste, écoute, se laisse traverser". Son expertise de commissaire d'exposition et cheffe de projet en art contemporain se révèle dans cette capacité à transformer l'espace d'exposition en véritable "territoire de réconciliation".

Inès Frachon présente ainsi ces cinq artistes comme des "passeuses d'une humanité en métamorphose", créant avec "Territoires sensibles" un manifeste pour que "ces territoires sensibles se transforment en terres lumineuses et ostensibles".

Albane Herrgott a conçu l'exposition "Ce qui nous touche" comme un voyage au cœur des émotions intimes de cinq artistes françaises. Curatrice indépendante et fondatrice de la Galerie Grès, elle a orchestré un dialogue sensible entre les œuvres de Marie Berthouloux, Mélanie Challe, Agnès Decourchelle, Tiphaine Descamps et Céline Lareine.

Son approche curatoriale met en lumière la diversité des médiums - de la broderie sur chanvre aux photographies en passant par la cire et les trames de jute - tout en révélant les fils invisibles qui relient ces pratiques : la mémoire du geste, la transmission, et la quête commune de l'essentiel que chaque artiste exprime à travers sa propre matérialité.

Albane Herrgott a su créer une exposition où chaque œuvre trouve sa résonance dans un ensemble cohérent, invitant le spectateur à une "promenade personnelle" à travers ces paysages intérieurs. Son texte curatorial, empreint de poésie, accompagne la découverte de "Ce qui nous touche" en révélant ce qui unit ces artistes au-delà de leurs différences techniques : leur capacité à peindre non pas ce qu'elles voient, mais ce qu'elles ressentent.

Jeanne Mathas a conçu l'exposition "Les eaux composées" comme une navigation entre "mémoire, mouvements et perception de la matérialité", s'inspirant de Victor Hugo pour qui la mer est "un composé de forces". Historienne de l'art spécialisée en art contemporain, diplômée de l'École du Louvre et titulaire d'un MBA international en management culturel, elle développe une approche curatoriale nourrie par ses recherches sur l'art écoféministe américain et ses ramifications queers.

Son expertise, enrichie par son passage à Columbia University et son rôle d'administratrice au Wonder à Bobigny, révèle comment Rachel Altabas, Marina Mankarios, Zineb Mezzour, Jeanne-Sophie de Peretti et Joséphine Vallé Franceschi "arpentent les liens entre mémoire et matérialité". Co-fondatrice de l'association Nous sommes au regret, Jeanne Mathas orchestre un dialogue où "connaissances et intuitions frayent ensemble".

À travers "Les eaux composées", elle mobilise ses recherches sur "la rémanence des images, les analogies et les refus dans la création contemporaine" pour révéler comment ces artistes font de "cette substance insaisissable" un "territoire d'investigation plastique et poétique". Son approche, enrichie par ses enseignements sur l'art textile ("À celleux qui tissent" à l'UCO d'Angers), transforme l'exposition en méditation bachelardienne où "les souvenirs se frottent au réel, jusqu'à l'altérer", créant un espace où chaque œuvre devient territoire de nouvelles mythologies contemporaines.